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(Si ça intéresse quelqu'un... c'est de moi mais pas tellement, pas mal de recopiage éhonté, à l'époque... Je ne l'avais quand même pas présenté, à la fin.
Ici : l'intro. La suite plus tard.)



       Le baroque est une forme d’art née en Italie dans la seconde moitié du 16ème siècle, qui eut un succès plus ou moins important dans nombre de pays.
       L’origine du terme vient vraisemblablement du mot portugais barroco : perle irrégulière.
       Les artistes qui ont adopté ce style ne l’ont jamais appelé baroque, et ont ignoré, pour la plupart, le mot et le sens que nous lui prêtons.
       Au tournant du 18ème et 19ème siècle, les partisans de l’antique ont employé l’adjectif baroque de façon plutôt péjorative : pour désigner ce qu’ils trouvaient de capricieux, d’extravagant, de contraire à la règle et au goût chez les maîtres italiens du Seicento.
       Ce n'est qu'au 20ème siècle que l’on assimila le baroque à un style défini et reconnu comme tel, puis à l’époque où s’épanouit ce style et aux diverses productions culturelles de cette époque. On en fit alors un concept esthétique général opposé au classique.

       Ce dernier se caractérise par la linéarité et la prévalence du dessin.
       De son côté, le baroque privilégie la matière colorée et le dynamisme des formes plus que l’harmonisation des lignes.
       Le classique a pour objectif une utopie de la perfection formelle, renvoyant à une image traditionnelle du cosmos fermé, centré.
       Le baroque ne fait qu’indiquer les directions, il reste indéfini, illimité, interminable.
       Le classique a le culte de l’unité.
       Le baroque vit dans la diversité et la luxuriance et oppose à cette unité indivisible une « unité multiple », par mise en résonance d’affinités.
       Finalement, le classique éprouve une fascination pour un absolu de clarté, tandis que le baroque préfère les contrastes, en faisant ressortir la lumière d’une ombre qui a sa propre consistance.

       Intemporellement, c’est-à-dire pouvant être reconnu à toutes les époques et dans tous les genres de création, le baroque est le surprenant, l’incohérent, le contrasté. Il est, en principe, du moins, le reflet de périodes de transition, de difficultés internes, de remise en cause de valeurs traditionnelles (tendances profondes, douloureuses parfois, inquiètes toujours). Il est différent de la recherche d’équilibre et d’harmonie qui forme l’idéal classique.

       Malgré la difficulté d’en fixer les limites d’apparition et de disparition, on peut distinguer trois périodes (non hermétiquement closes) : le maniérisme, le baroque, et le rococo – qui correspondent, en somme, au 16ème, au 17ème, et au 18ème siècle.

       On donne souvent au baroque la Réforme catholique comme référence initial : c’est à Rome que s’affirment les principes de cet art, et c’est dans le monde catholique qu’il s’épanouit. Mais l’esprit du début de la Contre-Réforme n’est pas particulièrement favorable à l’éclat. On pense aux Jésuites, dont l’intention  première n’a pas été d’introduire un nouveau style dans l’art religieux, et encore moins que ce style fut pompeux et triomphal.

       L’artiste baroque célèbre la religion plus qu’il ne la prêche. Il associe tous les arts dans une mise en scène grandiose, se préoccupant du paysage urbain dans sa totalité (places, palais, églises, fontaines, jardins).

       Le baroque, comme tout autre style, correspond aux tendances profondes des sociétés où il se manifeste, il rejoint des courants idéologiques, mais se rattache également à des circonstances historiques particulières.
       Dans cette Europe nuancée de l’époque, le baroque se concilie avec les exigences locales et prend des aspects différents selon les pays.

       Au 17ème siècle, le resserrement économique modifie les mentalités. Les guerres, et les misères populaires causées par la peste, font que l’inquiétude se substitue à l’optimisme et à la joie de vivre. On peut y découvrir des raisons pour certains aspects douloureux du style baroque. Mais d’autres valeurs sont déterminantes : les gouvernements monarchiques croient que la magnificence de leurs demeures est nécessaire au prestige et à la renommée et entreprennent donc, en même temps que les guerres, des dépenses luxueuses. Dans ces sociétés hiérarchisées, l’aristocratie recherche la richesse pour le décor de sa vie quotidienne et constitue une clientèle pour les artistes.
       A cette époque, l’Italie, très réputée, invite les artistes de tous les pays à y faire un séjour et suscite les invitations que les cours étrangères adressent aux ultramontains (ceux qui ne sont pas informés par leurs voyages peuvent l’être par l’énorme diffusion de gravures et d’estampes).

       Les conditions de la société se modifient donc selon les régions et leurs expériences particulières.

       Ainsi, ce n’est qu’au-delà de 1650 que l’Europe centrale, délivrée de la dévastation, trouve les circonstances favorables à un épanouissement du baroque.
       L’Angleterre a traversé, elle, une révolution politique et une crise d’austérité puritaine qui ont suspendu son intérêt pour les arts de luxe.
       En Espagne, placée tout entière sous l’autorité des Habsbourgs (Charles Quint et Philippe II), la Renaissance et le baroque rencontrent de fortes traditions gothiques en Flandre – et la longue imprégnation de l’Islam et de son art délicat dans la péninsule.
       Quant à la France, héritière et en beaucoup de points tributaire du génie ou du goût de l’Italie et des artistes italiens, elle s’émancipe : ses ateliers, puis ses académies, affirment plus d’autonomie et, bientôt, s’élabore la doctrine classique face au baroque.
       Mais cette opposition n’est exacte qu’aux extrêmes. Les catégories, acceptées trop exclusivement, déforment la réalité de l’histoire. En dépit des querelles de chapelles et d’une réelle xénophobie en France, les grands italiens contemporains n’y furent ni méconnus ni méprisés. A l’observance des règles s’ajoutaient d’ailleurs ce je-ne-sais-quoi qui autorisait l’originalité et l’invention, préservant le classicisme d’un desséchant académisme.
       L’art français du 17ème siècle ne peut donc pas être présenté comme incompatible avec le baroque, et pas davantage comme le secteur classicisant d’un baroque européen.

       Le centre d’impulsion du baroque étant l’Italie, surtout Rome et Turin, les courants se dessinent donc en direction des Flandres espagnoles, de l’Espagne et du Portugal, de la France avant 1660, de l’Angleterre après 1660 et, dans une autre direction, de l’Europe danubienne, de la Bohème, de la Pologne, voire de la Russie… Tandis que de la péninsule ibérique, un autre courant franchit l’Atlantique, en direction de l’Amérique coloniale.

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                             Le baroque dans les arts d’organisation de l’espace, de figuration et d’ornementation


       L’Italie

       Elle a fourni les modèles et donné l’impulsion.

       Si l’on dit que le baroque est le style de la Contre-Réforme, c’est parce que le Concile de Trente, ayant maintenu la vénération des images et prêté à l’Eglise catholique le caractère d’une religion sensible, où les rites et les manifestations extérieures du rite occupent une grande place, a ainsi favorisé les arts (construction et décoration d’églises).
       En outre, par la centralisation relative et la place accordée au magistère pontifical à Rome, la Contre-Réforme a désigné l’Italie pour être le lieu où ces expériences allaient être accomplies et allaient devenir des sources d’inspiration, sinon des modèles pour toute la catholicité.

       La fin du 16ème siècle voit des évènements heureux se succéder en série : la victoire sur les Turcs à Lépante (1571) qui délivre la Chrétienté de la menace de l’Islam, les progrès de la conversion en Allemagne, l’abjuration d’Henri IV qui garantit la fidélité du royaume de France… autant de signes que Dieu confirme la vocation salvatrice de l’Eglise.
       Il convient de l’affirmer par des actions de grâce, de fixer les témoignages de ces triomphes. De plus, le jubilé de 1600 doit amener à Rome une affluence de pèlerins, et le pape Sixte Quint imagine de remodeler la ville.
       En architecture, les façades s’animent d’un relief vigoureux (pilastres, colonnes, frontons, statues) et se courbent.

       Bernini (le cavalier Bernin, 1598-1680), architecte, peintre et sculpteur, à trente ans, révèle son génie dans le baldaquin de Saint-Pierre. Mais son chef-d’œuvre est la Transvébération de Sainte-Thérèse, dans l’église de la Santa Maria della Vittoria, à Rome. Il a aussi orné les places de cette ville de fontaines (telle celle de la place Navone). Architecte civil, sa réputation était telle que Louis XIV voulut lui confier la reconstruction du Louvre en 1665. Il vint à Paris et ses plans, remaniés sur place, furent déclarés superbes et acceptés, mais diverses circonstances en empêchèrent l’exécution.
       Borromini (1599-1667), son rival, a été le virtuose de la ligne et du volume en mouvement. Son extraordinaire ingéniosité a introduit dans l’architecture baroque romaine une veine originale de grâce et de subtilité. Moins réputé de son temps que le Bernin, il n’a peut-être pas exercé moins d’influence ensuite.

       Au début du 17ème siècle, un peintre fait scandale en choisissant ses modèles dans le peuple et en soulignant avec réalisme leur aspect humble et prosaïque, rompant ainsi avec les conventions expressives, idéalistes, du sentiment religieux : le Caravage (1573-1610).
       Il mène une vie aventureuse et meurt jeune. Son évolution stylistique semble révéler une tendance à adopter une palette plus rompue et vibrante, tout en conservant un clair-obscur contrasté, un sens de la mise en scène dramatique, une plastique expressive.
       Les Carrache contribuèrent, à côté de sa recherche plus radicale, à établir les ruptures avec le maniérisme et à élaborer les composantes de la peinture du 17ème siècle.

       Par la variété des talents qui s’y exercent, par l’abondance de la commande, Rome, entre 1600 et 1680, est donc le lieu d’intense production dans tous les arts. Elle élabore en fait un style très complexe dont l’originalité est évidente. Une définition trop étroite empêche d’en reconnaître le véritable caractère. Il n’y a pas de refus des valeurs de la Renaissance et de l’antique, point d’avantage leur altération et leur dégénérescence. L’esprit est nouveau : celui d’une société aristocratique (même dans la structure de l’Eglise) et d’une religion ardente jusqu’au mysticisme, rituelle et complaisante au triomphe. L’art qui lui répond, savant et subtil, recherche une expression de majesté et de puissance, interprète l’espace en animant les masses, en suggérant le mouvement. La lourdeur est évitée, l’ingéniosité cultivée et l’effet obtenu, jusqu’à provoquer la surprise.
       La part de l’imagination est aussi très large et, pour les générations qui se sont préoccupées d’harmonie, d’équilibre intelligible et d’apparente raison en toutes choses (18ème siècle), le baroque romain a paru comme le monde de la surcharge et de la grandiloquence. On a méconnu ses trois qualités fondamentales de sincérité, de goût et d’émotion (celle-ci étant souvent pathétique, dans son sens originel de douleur, d’inquiétude).

       C’est vers Rome que regardent les artistes de tous les pays, mais d’autres villes d’Italie ont leurs ateliers et sollicitent l’attention. A Turin, le père Guarini (1624-1683) édifie le fastueux palais de Carignan. Ce fin connaisseur de l’espace (et mathématicien) influença beaucoup l’architecture de l’Europe centrale. A Venise, aussi, Longhena construit le palais Rezzonico et élève au bord du Grand Canal l’un des plus beaux sanctuaires du baroque : la Salute.

       Le baroque répond en fait à la prédilection italienne pour le spectacle, il est presque théâtral. Les artistes emploient aussi, dans un art déterminé, les ressources d’un art voisin et les œuvres, si elles deviennent plus difficiles à analyser, en recueillent encore plus d’originalité et de charme.


       L’Espagne, le Portugal et l’Amérique coloniale

       En Flandre espagnole, l’œuvre universelle est celle de Rubens (1577-1640), qui s’est inspiré de l’Italie à Mantoue et à Madrid devant les collections italiennes de Philippe IV. Son vigoureux génie trouve une manière personnelle, l’une des plus grandes : l’intensité et la chaleur blonde de la lumière, la puissance sculpturale des corps, la magnificence des mouvements. Quant à l’architecture des Flandres, elle se saisit des éléments du répertoire maniériste, les ordonne en les accumulant et compose, pour les façades d’églises et les retables, des ensembles généreux et majestueux (sur la Grand-place de Bruxelles, les Maisons des corporations sont de style baroque).
       L’Espagne de la péninsule a montré, dès le 16ème siècle, un caractère général tourmenté, une tension farouche qui prédisposaient les arts plastiques à suivre une seule ligne, du flamboyant au baroque. Dans les monastères, la piété suscita des âmes ardentes et quelques-unes parvinrent aux sommets de la mystique (voir Jean de la Croix).Cette époque vit la réussite du théâtre espagnol et d’œuvres universellement admirées (voir Don Quichotte). Dans les arts d’ornementation, les retables, ces compléments de l’autel, se changèrent en arcs de triomphe (baroque de surcharge) avec des colonnes torses, des chapiteaux, des corniches, des palmes, le tout éblouissant d’or, comme le retable de  J. Churriguera à San Esteban de Salamanque. Il faut penser aussi à une constante influence de la cour : c’est une commande royale qui appela de Séville à Madrid Velázquez (1599-1660) dont un voyage à Rome avait élargi l’expérience. Coloriste, paysagiste et peintre épique, il peignit les personnages de la famille royale, les grands seigneurs faisant caracoler leur monture, les enfants malingres qui ne devaient pas régner, les infantes guindées entre leurs duègnes et leurs naines.

       Pour le Portugal, même si l’on tient, avec Eugenio d’Ors, l’exubérance du style manuélin (15ème - 16ème siècle) pour l’une des réussites d’un baroque à travers les âges, on doit reconnaître qu’en revanche ce pays n’a pas fourni d’œuvres magistrales au baroque à la définition plus précise du 17ème siècle. Au temps de João V, coïncidant avec la découverte des mines du Brésil, l’alliance avec l’Angleterre et une reprise économique, interrompue par le terremoto de 1755, l’art de la cour reprit vigueur. De Souabe, où le baroque danubien connaissait son plein essor, le roi fit venir des architectes allemands, les Ludwig (Ludovici), et leur confia le soin d’édifier un Escurial portugais à Mafra. Les conditions où s’exerça, dès lors sur tout le Portugal, et passant de là au Brésil, l’influence de l’Europe centrale posent un problème encore mal étudié mais l’un des plus curieux de l’art et de la sociologie du baroque.

       En Amérique espagnole le style baroque s’épanouit, dans les nouvelles Vice-royautés, lorsque la société fut stabilisée. Elle était alors dominée par les créoles, déjà conscients de leur différence avec le monde de la métropole, séparés par de faibles couches intermédiaires d’une plèbe d’Indiens et de métis, désormais catholiques mais enclins à aimer, de leur religion, surtout le mystère et les rites, toujours proches eux-mêmes de la superstition et de la magie. Le baroque se déploya pendant plus d’un siècle (1650-1780), il conduisit ses œuvres innombrables à toujours plus d’exubérance (cathédrale de Mexico, Puebla, Arequipa) et la tradition décorative indigène apporta désormais son concours.
       Au Brésil, les églises paroissiales ont des proportions relativement réduites par rapport à l’Amérique espagnole. A l’intérieur, des retables parés et fleuris, leur élégance et leur grâce souriante sont si différentes du somptueux baroque qu’on a pu poser à leur sujet le problème du rococo.


       Dans les pays danubiens

       La crise religieuse du 16ème siècle avait entraîné la rupture entre une Allemagne adhérente de la Réforme (au nord et à l’est) et l’Allemagne catholique.

       Il y eut ainsi un double courant d’influences : l’un de la Renaissance et du maniérisme germaniques, l’autre de l’Italie du Nord et de Rome. La guerre de Trente Ans (1618-1648) accumula les ruines en Allemagne, mais aboutit à une consolidation des Habsbourg dans leurs Etats héréditaires. Prague et Vienne devinrent alors deux centres d’art baroque. La première, délaissée de la cour, est la capitale de la noblesse qui y trouve l’espace nécessaire à la constructions de vastes édifices (le palais Cernin, par l’italien Caratti, les églises et les palais de J.B. Mathey) tandis que Vienne, enserrée dans ses murailles, est résidence impériale. En architecture trois grands noms sont à retenir, ceux de J.B. Fischer von Erlach (1656-1723), de Hildebrandt (1668-1745) et de Prandtauer (1660-1726). Soulignons que le souci décoratif s’accorde à la place considérable que la musique a prise dans la vie de ces nations : les églises, les palais, tout doit être le cadre d’un spectacle. A Munich, la cour adopta, au 18ème siècle, les influences françaises contemporaines, mais les frères Asam demeuraient des baroques et faisaient de leurs églises de petits théâtres où les statues paraissaient jouer un drame religieux. Rarement le caractère d’illusionnisme qu’on prête au baroque a-t-il connu de plus aimables réussites.

[Loïc]

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